FESTIVAL FTA

Fondé en 1990 par la soprano Pauline Vaillancourt, en association avec Joseph St-Gelais et Renald Tremblay, Chants Libres offre un répertoire opératique adapté aux couleurs de la modernité, explorant constamment de nouvelles techniques et approches de l’art vocal et travaillant en étroite collaboration avec des créateurs de toutes les disciplines. Depuis juillet 2022, la mezzo-soprano Marie-Annick Béliveau assure la direction artistique de la compagnie. Cette interprète incontournable de la scène musicale contemporaine est engagée dans une démarche de recherche-création qu’elle entend poursuivre à la tête de la compagnie.

Depuis plus de 30 ans, Chants Libres joue un rôle essentiel dans la formation de talents et la diffusion de nouvelles œuvres. Avec dix-neuf créations à son actif, la compagnie jouit d’une solide réputation et est devenue un outil indispensable pour les créateurs et interprètes qui souhaitent explorer les nouvelles formes et nouveaux processus de création lyrique pluridisciplinaire. Les créations de Chants Libres ont été présentées en tournée au Venezuela, en Italie, en Suisse, en Allemagne, en France, au Canada, en Belgique et aux Pays-Bas. La compagnie a accueilli à Montréal la conférence internationale New-OP 8 et elle continue d’assurer la relève avec ses événements Oper’Actuel Works In Progress et ses laboratoires de recherche-création.

Depuis 1999, le Quatuor Bozzini est une voix originale à la défense des musiques nouvelles, expérimentales et classiques. Moteur de la scène hyper créative de Montréal et au-delà, le quatuor cultive une approche qui fait la part belle au risque, à l’expérimentation et la collaboration, et s’aventure hors des sentiers battus. Par leurs critères de qualité rigoureux, ils ont contribué à la création d’un répertoire diversifié qui fait fi des tendances et des modes. Au fil des ans, ils ont commandé plus de 400 pièces et en ont créé près de 500. Leur approche ouverte, collaborative et dirigée par des artistes a permis la réalisation de nombreuses productions innovantes et très appréciées, y compris des projets interdisciplinaires avec la vidéo, le théâtre et la danse.

Le Festival TransAmériques (FTA) est un festival international d’arts vivants dédié à la danse et au théâtre dans leurs expressions les plus actuelles. Depuis sa première édition en 1985, il est en quête de créations courageuses et singulières, et de perspectives nouvelles.

Situé à Montréal/Tio’tia:ke/Mooniyang, le FTA dialogue avec sa ville, son histoire, ses scènes et ses quartiers. Il convie et engage des publics diversifiés, qu’il souhaite élargir et enthousiasmer.

Festival de création, le FTA soutient le développement et la circulation d’œuvres inédites d’artistes québécois·e·s, canadien·ne·s et autochtones. Avec son équipe, le FTA travaille à réunir les meilleures conditions possibles pour l’émergence des créations. Solidaire des communautés artistiques, le FTA cherche à les fortifier en offrant des espaces de partage et d’émulation.

À travers l’accueil de spectacles d’ici et d’ailleurs, le FTA cultive l’expansion des imaginaires et célèbre la complexité du monde. Le Festival provoque des rencontres fortes et des expériences profondes qui relient l’émotion à la connaissance. De retour à tous les printemps, le FTA est une grande fête des arts vivants.

La Fondation du Centre national des Arts récolte des fonds en appui aux activités du Centre national des Arts liées à la diffusion, à la création et à la transmission des savoirs à travers le Canada. Depuis sa mise sur pied en 2000, la Fondation du Centre national des Arts a amassé plus de 190 millions $ pour enrichir l’existence des Canadiens par les arts de la scène et pour soutenir les artistes, les élèves et les enseignants du pays.

Habitué du FTA, Christian Lapointe y a créé en 2013 L’homme Atlantique (et La maladie de la mort), dans lequel il amorçait déjà un dialogue avec l’œuvre de Marguerite Duras. Auteur, metteur en scène, acteur et directeur artistique de la compagnie Carte Blanche, il a signé depuis 2001 plus d’une trentaine de spectacles à travers lesquels il développe une recherche audacieuse sur le jeu de l’acteur·ice et les dispositifs de la représentation. Son travail est non seulement présenté à l’étranger, notamment au Festival d’Avignon et au Festival International New Drama (FIND) de la Schaubühne de Berlin, mais aussi partout au Canada. Dans les dernières années, Lapointe a mis en scène plusieurs textes du grand dramaturge anglais Martin Crimp, qu’il a dirigé en 2023 dans sa propre pièce, Not One of These People, présentée entre autres au mythique Royal Court Theatre à Londres.

Le parcours de la compositrice et écrivaine australienne Rósa Lind (Rosalind Page) est aussi prestigieux qu’iconoclaste et elle est sollicitée pour ses compositions à travers le monde par les plus importantes institutions musicales. En plus d’étudier la composition au Conservatoire de musique de Sydney, à l’Université du Delaware et à l’Université de Sydney, elle se lance dans les études théâtrales et cinématographiques afin d’approfondir sa démarche qui creuse les relations entre le son et l’image. S’intéressant autant à l’acoustique qu’à l’électro, elle puise ses techniques et son inspiration dans différentes disciplines, et crée des œuvres hybrides pour le théâtre et la danse ainsi que de nombreux orchestres et ensembles de chambre. Son cycle de chansons Sonetos del amor oscuro (2004), sur des textes en espagnol de Federico García Lorca, et son concerto Fracture: a Noh play for cello and orchestra (2004), une interprétation du Roi Lear de Shakespeare et de Ran d’Akira Kurosawa, ont tous les deux été récompensés de prestigieux prix.

Interprète de premier plan, la chanteuse Marie-Annick Béliveau se fait entendre sur les scènes montréalaises depuis plus de 25 ans. Remarquée par la presse pour « sa voix riche et sa palette expressive nuancée », elle a créé plus d’une trentaine d’opéras et d’œuvres vocales dans le répertoire contemporain. 

D’autres formes de collaborations lui permettent aussi de tisser des liens avec des artistes et compositeurs renommés, tout en développant son goût pour la conception et la direction artistique. Artiste ancrée dans sa communauté, elle enseigne le chant classique à l’UQAM et chante depuis plus de 10 ans à la Société pour les Arts en Milieux de Santé. On retrouve en outre sa voix sur plusieurs enregistrements, dont les musiques du Cirque du Soleil et dans plusieurs films (Violon Rouge, Paul à Québec). 

Sa passion pour l’exploration lyrique résonne également dans le monde académique : doctorante dans le programme Études et pratiques des arts à l’UQAM, Marie-Annick Béliveau réalise un projet de recherche-création dans lequel elle remet en question les modes de conception et de production de l’art lyrique.

Chambriste passionnée, la violoncelliste Isabelle Bozzini se dédie à deux mondes parallèles: les musiques nouvelles de tout acabit et la musique sur instrument d’époque. Cette entreprise constitue un défi de tous les instants et nourrit pleinement ses aspirations artistiques.

Elle est membre-fondatrice et codirectrice du Quatuor Bozzini, groupe qui se distingue parmi les quatuors à cordes canadiens depuis 1999, tant sur la scène nationale qu’internationale. Présentant près d’une quarantaine de concerts par année, les Bozzinis produisent leur propre série montréalaise incluant l’événement Salon des compositeurs + Composer’s Kitchen. Ils tournent régulièrement en Europe, aux États-Unis d’Amérique et au Canada, et ont lancé l’étiquette de disque collection qb à l’automne 2004 en collaboration avec DAME. Isabelle Bozzini joue également avec l’Ensemble Kore, ainsi qu’à l’occasion avec des musiciens improvisateurs comme Malcolm Goldstein, François Houle, Benoît Delbecq, Diane Labrosse ou Jean Derome. Engagée en musique sur instruments d’époque, elle a longtemps travaillé avec Joël Thiffault et l’Orchestre Baroque de Montréal et joue maintenant principalement avec l’Ensemble Arion. Elle travaille aussi avec les Idées Heureuses, l’Ensemble Caprice, le Studio de musique ancienne de Montréal et le claveciniste et chef français Hervé Niquet.

[source: www.quatuorbozzini.ca]

Hailed by critics for her “ethereal”, “powerful yet lucid”, and “silvery bright” voice, Canadian soprano Ellen Wieser turned heads at the Castleton Festival, where she created the role of Justice Ginsburg in the world premiere of Scalia-Ginsburg. Her commanding stage presence has been described as “tremendous”, “especially compelling”, “vibrant” and “a ray of sunshine” and has led to operatic and concert engagements with reputed Symphony and Chamber Orchestras and Opera companies across the United States, Canada and Asia. Recent career highlights include participation in Tapestry Opera’s LibLab and Opera Briefs in Toronto, the creation of the title character in the opera Justine et les machines by Sonia Paço Rocchia and MEB with Musique 3 femmes in Montréal, and receiving the « Emerging Artist » prize at the third international Récital-concours de mélodies françaises. In Asia she has performed as a soloist at the Jeonju International Sori Festival and with the Korea Union Orchestra in South Korea, and in a recital tour throughout the Nagoya region of Japan. Past notable performances have included Ein Deutches Requiem with Jacques Lacombe and the Quebec Symphony Orchestra, Steve Reich’s Tehillim with the Winnipeg Symphony Orchestra, the roles of Clorinda (Cinderella) and Frasquita (Carmen) with Opera Lyra Ottawa, and Countess Almaviva (Le nozze di Figaro) with Montreal’s Opera da Camera. In recital, she has performed Fauré’s La bonne chanson with piano and string quintet, as well as Hugo Wolf’s complete Italienisches Liederbuch at Montréal’s Chapelle Historique du Bon-Pasteur. At the Prince Edward County Music Festival she performed Barber’s Hermit Songs with pianist Stéphane Lemelin as well as Ana Sokolovic’s Tanzer Lieder with chamber ensemble.

Enflammé et festif, le spectacle de Yamato & La Fin du Monde ne laissent personne indifférent. Trouvant d’abord ses racines et son sens sur les trottoirs de la ville, la formation redonne à la rue ce qui appartient à la rue : une musique vivante, des textes qui font rire et pleurer puis des personnalités éclatées. Mélangeant la musique latine, tzigane, le tango et le swing, leur répertoire fait chanter et danser. Aujourd’hui sextette, les deux violons, le violoncelle, la contrebasse, la guitare et l’accordéon transmettent la fougue qui les habite et la passion de jouer ensemble.

Karl Lemieux est un cinéaste dont le travail s’inspire du dialogue entre le cinéma, la musique et l’art sonore. Au coeur de sa pratique, incluant également le cinéma de fiction, l’importance du dispositif cinématographique et l’attachement à la pellicule argentique sont essentiels. Ses films, installations et performances ont été présentés internationalement dans plusieurs musées, galeries, salles de concert et festivals de cinéma, notamment au Musée d’art contemporain de Montréal, le MoMA Museum Of Modern Art à San Francisco, au Austrian Film Museum à Vienne et le Eye Filmmuseum à Amsterdam. Depuis 2010 il réalise des projections 16mm avec le groupe montréalais Godspeed You! Black Emperor. Au Théâtre, il a collaboré à plusieurs pièces de Marie Brassard, Brigitte Haentjens et Jeremie Niel. Il est également le cofondateur avec Daïchi Saïto du collectif Double Négatif, dédié à la production et à la dissémination du cinéma expérimental. Son premier long-métrage Maudite Poutine a été présenté dans la section Orizzonti de la compétition officielle de la 73e Mostra de Venise organisé par la Biennale de Venise.

Originaire du Japon, elle est conceptrice d’éclairage indépendante depuis 1986 et a étudié au Royaume-Uni dans le cadre du programme de formation outre-mer de l’Agence des affaires culturelles du Japon. Reconnue pour sa créativité et son souci du détail, elle s’est taillée une place unique dans le paysage théâtral québécois, lauréate du prix Siminovitch 2024, du prix du meilleur éclairage à la Soirée des Masques et de nombreuses autres distinctions. Cette production marquera sa troisième collaboration avec le metteur en scène Christian Lapointe.

Ses récentes créations incluent la comédie de Broadway POTUS (2022), Roi Danse (2023) et Désir (2024) avec Les Grands Ballets Canadiens. Dans le domaine de l’opéra, elle a conçu les éclairages de La Damnation de Faust (Metropolitan Opera) et Yourcenar, entre autres.

Parmi les projets à venir, citons Élégie, une collaboration entre danse contemporaine et orchestre avec Les Violons du Roy à l’Agora de la Danse (février 2025), ainsi que la comédie CLUE au Centre Segal (mai 2025).

Récipiendaire du Prix Siminovitch 2024 siminovitchprize.com/fr/recipiendaires-actuels

Depuis 2014, Andréane travaille comme conseillère dramaturgique, notamment auprès des metteur.e.s en scène et dramaturges Christian Lapointe (Pelléas et Mélisande, Le reste vous le connaissez par le cinéma, Quand nous nous serons suffisamment torturés, Not One of These People), Brigitte Haentjens (Parce que la nuit, Sang), Alix Dufresne et Marc Béland (Hidden Paradise), Claire Renaud (Sportriarcat) et Olivier Choinière (L’école des femmes, Zoé, La dernière cassette). Elle collabore aussi sporadiquement avec le CEAD, l’École nationale de théâtre du Canada, ainsi que les revues Jeu et Aparté. Après des études en musique, en études théâtrales (UQÀM) et en littérature comparée (UdeM), elle obtient une maitrise en théâtre (UQÀM).

Après des études en architecture à Montréal et à Lausanne, Anick La Bissonnière a d’abord pratiqué son métier au sein de l’Agence Odile Decq à Paris, puis en collaborant à l’élaboration d’une cinquantaine de projets de salles de spectacles pour Trizart à Montréal.

Parallèlement à sa pratique architecturale, elle s’est rapidement bâti une grande expertise en scénographie pour le théâtre, les musées et les événements urbains. Plus particulièrement depuis 1999, elle a développé une relation de création privilégiée avec la metteure en scène Brigitte Haentjens avec laquelle elle signée plus d’une vingtaine de productions, encensées par le public et la critique. Si elle a oeuvré principalement au théâtre, elle a aussi investi les variétés, la télévision, la danse et l’opéra. Présentée comme faisant partie de l’élite mondiale à la Quadriennale de Prague de 2007, elle a été plusieurs fois finaliste du prestigieux prix Siminovitch qu’elle a obtenu en 2015. Depuis quelques années, elle enseigne la scénographie à l’École Supérieure de Théâtre de l’Université du Québec à Montréal.